Como hacer esculturas con papel y pegamento (1)

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A finales del año pasado recibí un encargo muy interesante. Un cliente de México me preguntó si podría fabricarle dos esculturas.  Le dije que con gusto ya que además del dibujo y la pintura, también creo que se me da algo la escultura, así que le pedí que me explicara más a detalle qué clase de esculturas requería.

Me dijo que deseaba  regalarle de cumpleaños a su pequeño hijo de 8 años las esculturas de un toro y un torero ya que éste era aficionado de corazón a la fiesta brava; bueno, en este asunto no coincido, verdad?,  pero como era algo que no me concernía valorar o discutir, al menos para este encargo, me concreté a la parte artística. Le pregunté si el niño los tendría como decoración y él me dijo que si, que efectivamente los pondría en su cuarto pero que también sería bueno  que se pudieran desplazar para simular la lidia y el embiste,  y que fueran lo más grandes posibles, casi a tamaño natural para que pudiera, supongo prudentemente, jugar con ellos como si fueran de verdad. El plazo era quizá, el más desafiante de los requisitos; me daría muy poco tiempo para fabricarlas, dado que la fecha del cumpleaños estaba a solo semana y media. Pero me gustan los retos y después de valorar todo pues acepté.

Consideré, como primera opción hacer las figuras de unicel; poliestireno expandido, (o telgopor, así conocido en algunas zonas de Latino América), pero pensé que quedarían demasiado frágiles y el niño podría quebrarlas. La ventaja de este material es que es muy manejable, puedes hacer exquisiteces escultóricas blandiendo el cúter o la resistencia, además no es caro; que lástima que no serviría el unicel.

Descarté obviamente cualquier metal fundido por caro y pesado,  la fibra de vidrio por el costo  y pensé en el hule espuma;  muy liviano, resistente y económico pero rebelde para manipularse,  y yo no quería una botarga. No, ese quedaba descartado también.

Finalmente me decidí por el papel. Aquí en México es muy popular la realización de figuras de papel combinado con pegamento. A este material se le conoce como papel maché. Se utiliza para hacer desde piñatas hasta alebrijes, es muy económico y te permite mucha plasticidad; no cómo la arcilla o alguna plastilina, verdad? pero si resulta suficientemente manso como para permitirte trabajar formas a mucho detalle. Al endurecerse el papel con el pegamento este se vuelve  tan resistente y duro que por ejemplo,  las piñatas, que son para romperse a palos presentan dura batalla antes de ceder sus dulces, y por supuesto es ligero ya que las piezas acabadas normalmente quedan huecas.

Así que bueno, una vez definí el material, (punto clave), pude presentar la cotización que incluía tres bocetos pensados, justamente para poderlos hacer en papel maché.

El boceto 3 fue el autorizado. Mostraba movimiento y naturalidad,

A partir de este momento te iré describiendo paso a paso cómo fue que logre fabricar esas esculturas. Te revelaré algunos trucos,  (muchos de ellos fueron improvisados) para resolver problemas específicos, de tal suerte que si en un momento dado decidieras realizar tu propia escultura de características similares sería magnífico que mi tutorial te haya servido cómo guía.

Antes déjame hablarte un poco del boceto que me autorizaron, el No. 3. Debía respetar ante todo las poses, así que constantemente haría verificaciones al respecto. Podrás notar que propuse colocar las piezas sobre plataformas con ruedas giratorias como solución al asunto del desplazamiento. Aunque aún no tenía ni idea de cómo las fijaría pero bueno, suponía que no sería tan difícil. Y ahora sí, vamos a ese paso a paso.

1.- Documentación. 

Estas son algunas de las imágenes que me sirvieron de referencia para la
realización de las esculturas.

Como parte de la planeación, y esto aplica para cualquier proyecto artístico, siempre será necesario documentarse previamente sobre el tema. En este caso estudié  fotografías de toros de lidia en diferentes poses, figuras escultóricas de toros hechas por otros artistas, modelos a escala fieles en resina, láminas científicas de la anatomía del animal, (muy importantes pues te diré que mientras más a profundidad conozcas al modelo más libertad tendrás a la hora de interpretarlo); también  archivé referencias fotográficas sobre la fiesta brava, buscando imágenes que mostrarán suertes con poses similares a las que me interesaban,  y de un modo detallado repasé el diseño de la indumentaria del torero buscando memorizar con fidelidad su estilo.

2.-Construcción de los esqueletos. 

Mira, normalmente toda figura escultórica se inicia con la construcción de un esqueleto de alambre que se va forrando poco a poco del material para modelar, ya sea de arcilla, plastilina o en este caso papel, sin embargo, el alambre pesa y buscando aligerar al máximo las piezas opté por sustituirlo por globos que iría forrando con el papel periódico, (método muy empleado en la fabricación de piñatas), que una vez hubiera secado el papel podrían reventarse dejando hueca la pieza; como te comentaba en párrafos anteriores , el papel con pegamento se vuelve suficientemente duro y resistente como para permitir tener hueco sin que se deforme; aun así ya estaba pensando en un relleno de refuerzo para que las figuras tuvieran un poco de solidez extra. Más adelante te diré de que material fue y como lo apliqué.

2b. Recurriendo a las piñatas. Con el fin de ganar tiempo recurrí a otro truco improvisado; usé dos piñatas de papel con formas aproximadas; estas fueron una cebrita para el toro y una payasita para el torero. Estaban muy bien realizadas y consideré que algunas de sus piezas podrían servirme para adelantar trabajo. Estas piezas, junto con los globos y alguno que otro pedazo de periódico me servirían como material de modelado. Para darle consistencia a todo este collage de materiales utilizaría cinta canela para compactarlo y así después, ya empapelarlo todo.

Comencé por meterle cuchillo a la cebrita separándola por la mitad para luego cortarle las patitas. La idea era utilizar el pecho,  el cabuz y una bolsa repleta de globos para empezar a formar el cuerpo del toro.

Uní las piezas endeblemente con cinta canela y  coloque sin fijar, los cuatro palos con los que haría las patas, para presentar el avance con la intención de visualizar las proporciones. Y concluí que iba bien.

Así presentado podía ya visualizar al toro en cuanto a proporciones.
Ninguna pieza estaba unida aun.

Por otra parte y pensando en que me serviría casi por completo la figura de la payasita, empecé por  cortarla estratégicamente, ( pues venía de fábrica totalmente rígida) para darle movimiento y carácter de torero.  Tenía buen tamaño y estaba bastante bien terminada, y consideré que podría ser aprovechada al máximo. Fui moviendo sus piezas, fijándolas con cinta canela, añadiendo periódico y algunos globos para levantar o alargar el cuerpo, los brazos y manos casi tuve que reconstruirlos por completo;  a la cabeza le corte la parte de arriba pues  se veía desproporcionada y guardé la pieza para después usarla para hacer el gorrito. Así fui modelando esta pieza hasta lograr un esqueleto más convincente, más acorde con lo que buscaba. Puro truco, verdad?

Esta era una piñata muy bien hecha que pude aprovechar al máximo para
convertirla en un torero.

Siguiendo con el torero, que ora sí, ya parecía torero aproveché, según valoré para antes de empezar a empapelarlo, ponerle el cuello de la camisa y la corbata.

Encintando el toro. La cinta canela es un material extraordinario. Cuando muchos pensarían que solo sirve para sellar cajas de cartón, encontré que tiene tanta plasticidad que literalmente se modela con ella, tensándola  a conveniencia, forzándola a estirarse de más a veces y fijándola con su potente adhesivo en el lugar que uno quiera. Fue así que aproveché sus peculiares propiedades para irle dando forma a ese cuerpo bovino. Envolví ingeniosamente con cinta canela las tres piezas, agregando algunos globos en el lomo y en el abdomen cuando creí que era necesario. Y así fue como quedó el cuerpo; creo yo bastante bovino.

No se aprecia en la fotografía pero en la parte de abajo quedaron los
huecos para colocar las patas.

Conforme avanzaba con el modelado del toro, el reto iba en aumento. Ahora tenía que hacer la cabeza y el cuello para fijarlos a ese cuerpo encintado, cuidando la proporción y lo más difícil, la actitud del embiste con la cabeza agachada. Vaya desafío!!.

Decidí colocar la cabeza de la cebrita como referencia de partida sobre el agujero que dejé a propósito justo en donde va el cuello. Claro que esa cabeza poco tenía ya de cebra, pero aun poseía formas que me podrían guiar parar ir modelando.  Después y a base de colocar globos, retazos de periódico y un constante  estire y afloje de cinta canela conseguí darle cuello y cabeza a mi toro, en la actitud y con el detalle deseados.

Aquí se aprecia como quedo el toro con la cabeza y el cuello. Se aprecia lo que será el lugar de los ojos y los huecos en donde irían las patas delanteras.

Los cuernos, que debían ser cilíndricos y puntiagudos los hice a partir de modelar dos piezas de hule espuma  con las tijeras y el cúter,  haciendo pequeños cortes hasta lograr la forma que deseaba y luego los forré con cinta canela para compactarlos. Finalmente los uní a la cabeza con un paquete de periódico que fungiría como base o soporte y los fijé fuertemente con cinta canela.

Las orejas las hice con dos tiras de periódico doblándolas  varias veces para darles rigidez y bastante cinta canela.

En esta fotografía se aprecia la cabeza terminada. Los cuernos, orejas y todo el detalle de la nariz, así como las cuencas de los ojos. Está lista para ser empapelada.

Un poco de tiempo perdido.  Retomando al torero, y después de valorar que la construcción del cuerpo ya no me presentaría mayor problema,  abordé el asunto del capote, pues definitivamente no tenía hasta este momento la menor idea  de cómo la haría, y honestamente te diré que trabajé en un primer intento que me llevó hasta un callejón sin salida. Construí un bastidor de madera que según yo, sería un buen modelo de capote, uniendo tablas largas y delgadas de triplay en cruz con pegamento blanco,  pensando que serviría como cuerpo.  Luego lo forré con hojas de periódico Pero, que desilusión  fue cuando comprobé que no debía seguir  con esto, ya que esta cosa se veía tan rígida que más bien parecía una vaya o una tabla grande pero no un capote, cuyo aspecto debía ser volátil, como tela al viento, y destruí mi invento con vehemente frustración.

Unas dos horas de tiempo invertido se tuvieron que ir directamente la basura, pero creo que todo proyecto tendrá siempre sus horas negras. Acaso no le ha sucedido a la NASA cuando recurrentemente ha perdido miles de millones de dólares en misiones espaciales fallidas o abortadas?. No debía sentirme mal, mejor debía seguir adelante, así que decidí dejar por el momento este problema y concentrarme mejor en avanzar en aquello que ya tenía resuelto; ya después se me ocurriría algo para salvar este asunto; cómo buenos creativos que somos sabemos confiadamente que siempre surgirá una ingeniosa solución a la mera hora para cualquier problema de diseño, cierto?.

Sigue la segunda parte del tutorial.

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Como ampliar un dibujo (ejercicio práctico).

Una buena manera para escalar un dibujo, es haciendo uso de la retícula. Ya en un anterior post describí este sencillo pero efectivo método,( Cómo hacer un dibujo a gran escala), sin embargo debido a que recientemente recibí un encargo para pintar en una pared, tengo un buen pretexto para compartirles como se hace en la práctica. 

Se trataba de plasmar una escena jarocha en la pared de una pequeña fonda de antojitos veracruzanos con el fin de ambientar. Es un diseño sencillo pero que iba a lucir bien. Para quienes están leyendo esto y no saben que significa ”jarocha”, les explicaré que así se les dice a las mujeres de Veracruz, estado costero del sureste de México,  y en general a todos los naturales de ese estado se les conoce como jarochos. Incluso a uno de sus antojitos; los tamales, se les conoce como tamales jarochos. 

El tema es la jarochita acompañada del músico con su arpa, que por cierto también es muy representativo del lugar. Ambos bailan el son jarocho; pieza musical típica. Si alguna vez tienes la oportunidad de viajar a Veracruz, no pierdas la oportunidad de admirar a los jarochos bailando su coreografía, acompañados por la marimba, en el meritito puerto. Son algo espectacular.

Este es el diseño que plasmé en la pared de la antojería jarocha.

Bueno, a lo que vamos… 

1.- Empecemos por dibujar a lápiz un boceto preliminar en hoja carta. Tal como nos guste más. El mío quedó así.

Dibujo a lápiz tamaño carta.

2.- Después procedemos a trazarlo en la computadora para valorar el aspecto final del trabajo a color. Si a ti no te es posible hacer esto, no importa; puedes colorear directamente tu boceto con lápices de color, al mismo tiempo que le haces ajustes.

3.- Cuadricula tu dibujo.

Puedes hacerlo directamente sobre tu dibujo o bien sobre un acetato o mica transparente que puedes fijar con cinta masking tape sobre el dibujo original, esta te permitirá ver el dibujo por debajo y no tendrás que rayar tu boceto- yo lo hice directamente en la computadora- El número de cuadros y sus dimensiones a lo largo y alto deberán coincidir, en proporción con el tamaño final de tu dibujo, así que previamente hay que analizar esta relación.

En el caso de mi dibujo éste debía medir 1.50 m, de largo por 1m de alto, según determiné se vería bien a ese tamaño, así que mi cuadrícula grande sería de 14 x 9 cuadros de 10.71 cm que me darían la medida aproximada, ya que no es necesario ser tan precisos.

Cada cuadro mide 10.71 cm por lado dándonos un área de 149.94 cm x 96.39 cm, 

Con este cálculo solo debes de adaptar la medida de los cuadros a tu dibujo pequeño, (a lápiz), con las dimensiones que se ajusten mejor. Los míos fueron finalmente de 1.6 cm por lado.

Cada cuadro mide 1,6 cm por lado dándonos un área
de 22.4 cm de largo x 14.4 cm  de alto, que es la medida original de mi dibujo chico. Los rectángulos de abajo (flecha negra)
son opcionales para completar la medida proporcional.

4.- Trazando el dibujo en grande. Para facilitarte el trabajo requieres papel bond en pliego cuadriculado que deberá abarcar el área del dibujo que deseas agrandar. Si un pliego no es suficiente, puedes unir dos o más con durex.  Traza tu retícula con lápiz ayudándote de la cuadrícula propia del papel y luego pégalo sobre la pared con cinta masking tape para que hagas en el tu escalado.

5.- Con mucho cuidado y atención empieza a copiar el dibujo original. Verás que es muy sencillo si solo cuidas de dibujar las líneas cuadro por cuadro tal y como se ven en el dibujo chico. Las proporciones se ajustarán así con total precisión. No tendrás problemas como que la cabeza te quedó más grande o que el brazo está muy largo, o algo así.

6.-  Traslado del dibujo a la pared. Vamos a colocar papel calca negro en la parte de atrás de nuestro dibujo grande, (el del papel bond), sujetando las hojas ordenadamente con pequeños trozos de masking tape y procurando abarcar todo el dibujo. No olvides que la cara marcable debe ir hacia la pared. 

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Una vez quede cubierto todo el dibujo con el papel  procederemos a fijarlo a la pared con el mismo masking tape.

7.- Calcado. Como el dibujo lo hiciste a lápiz, vamos a calcarlo de preferencia con un bolígrafo rojo, Este nos permitirá marcarlo con cierta energía y al mismo tiempo nos indicará cuales líneas ya han sido marcadas  gracias al intenso color rojo de la tinta.

Cuida que no quede ninguna línea sin pasar. Una vez calcado tu dibujo deberá verse más o menos así.

Lo ideal es que la pared en la que vayas a dibujar sea lisa. Lamentablemente no fue ese mi caso  como podrás haber notado, pero bueno había que adaptarse.

8.- Una vez hayas verificado que el dibujo se calcó bien, podrás con toda facilidad pintarlo a tu gusto o bien, según lo hayas planeado previamente en tu boceto. Yo lo hice con acrílicos.

 ...Y así quedó mi dibujo final.

Espero te haya gustado el tutorial pero sobre todo deseo que te resulte útil. No dejes de visitar el blog y te invito también a consultar mis demás tutoriales que ya he subido y que estoy seguro también te serán de gran utilidad.

Y mi consejo de siempre… “No permitas que el miedo al fracaso obstaculice tu talento. Véncelo y explota tu creatividad”.

Como dibujar un Retrato a Lápiz Paso a Paso 6 Final

Así se encontraban los ojos, boca y nariz, hasta el paso 3, compara esta imagen
con la de abajo y comprobarás que casi siguen iguales, no así el cabello
y la cara que ya presentan un avance importante hasta llegados este punto.

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Avance en cabello y cara. No he trabajado aún la boca, la nariz
las orejas, ni los ojos. 

Trabajando la boca. Casi desde que empezamos y a reserva de unos cuantos trazos y entonaciones no nos habíamos ocupado de los labios ni de la nariz y a los ojos creo que también los habíamos olvidado. Lo hice un poco a propósito porque me pareció conveniente que te ejercitaras primero con el cabello y la cara que son algo más fáciles de resolver, aunque debo confesarte que el profesional del retrato trabaja todo a la vez; los ojos, la boca, el cabello, la nariz, etc. Tal como si se tratara de captar una instantánea. Pero sé que para quien está iniciándose,  esto no resultará del todo sencillo así que es válido ir con tiento. El chiste es practicar y practicar. Ahora hazlo así, con cuidado y paso a paso; ya más adelante te irás soltando hasta alcanzar la destreza del maestro, pero todo a su tiempo. Es algo así como aquel equilibrista que antes de aventurarse a caminar sobre su cuerda floja a 30 metros de altura, entrena antes a baja altura, apoyándose del barandal. Justamente esa es mi pretensión, encaminarte, a baja altura y sosteniéndote de la mejor manera. Ok?, prosigamos entonces.

Comentario breve sobre las orejas. Las orejas casi siempre, incluso no importando el ángulo de la cara en que las dibujemos resultan ser las menos relevantes, pero ojo!, no por ello deberemos descuidarlas; en algunos casos son ellas las que le dan el mayor carácter a algunos modelos, pero casi nunca es así, y en este caso son absolutamente reducidas a dos manchas oscuras.

Para resolver la boca, empecemos por recordar lo que ya mencioné en el paso 3. Normalmente la luz viene de arriba así que el labio superior será más oscuro que el inferior; además, considera que los labios deben apreciarse humedecidos lo que propicia que tengamos un brillo un poco intenso en la parte más luminosa ( inferior derecha). Con estos datos básicos sombrearas  guiándote de la siguiente imagen y en donde indican las flechas, haciéndolo con mayor o menor intensidad. Procura sombrear de arriba abajo con la intención de generar una textura radial.

Para lograr el volumen pon especial atención en que las sombras  de ambos labios tienden a ser más oscuras del lado izquierdo (A) y enfatiza esa línea de sombra del lado derecho del labio inferior, que funciona muy bien  para sugerir su redondez (B), y no olvides el brillo que estará justo por encima de esa misma línea de sombra, (C).

Cómo cierre de esta sesión te voy a pedir que intentes el toque maestro. Cómo habrás apreciado ya desde antes, los labios de nuestra modelo están ligeramente entre abiertos; como si trataran de generar una tierna sonrisilla que se antoja algo enigmática; pues bien, hay que representarla y creo que no hay más que sombrear con mayor intensidad una línea justo en medio de los labios, pensando que no es tanto sombra lo que añadimos sino, sonrisa. Sé que suena algo loco pero a veces creo q funciona mejor pensar así. Dibuja la sonrisa sombreando desde el centro de la boca (A),y remata en ambos extremos con el dibujo de dos comisuras especiales; las de Mena, (B).

Estos pliegues tan especiales (B), que harán surgir definitivamente la sonrisa de Mena y no la de ninguna otra persona.

Avanzando la nariz.  Al trabajar la boca sentí la necesidad de modelar un poco más la nariz. En la imagen podrás apreciar cómo se encontraba hasta la parte número 3 del tutorial y cómo ha quedado hasta aquí.

 

Bien, recordemos que te aconsejé que la dibujaras como si se tratara de un conjunto de luces y sombras. Esta manera de observar las cosas, se aplica a cualquier parte del modelo que desees dibujar solo que hago énfasis en la nariz cómo ejemplo porqué suele ser bastante complicada de dibujar.

La dificultad radica en su incómoda posición respecto a nuestro punto de vista, dado que se nos presenta en un escorzo frontal, o dicho en lenguaje coloquial, nos la encontramos totalmente de frente. Posición bastante incómoda como para interpretarla con facilidad; se necesita intuir hasta cierto punto los trazos y tonos que se precisa manejar. Por eso vale la pena recurrir a cuantos trucos tengamos a la mano para resolverla de la mejor manera. 

Lo primero que podrás apreciar en mi avance es que suavicé todos los trazos implicados. Era necesario dado que esta nariz pertenece a una mujer muy joven y bonita y líneas ó sombras duras en su nariz nunca le hubieran favorecido.

La fui modelando respetando  las cuatro zonas de sombras principales que ya había yo definido desde el principio. (Flechas).Y mira cómo intensifiqué la negrura de los hoyuelos de las fosas nasales (A) y le di más forma a la sombra de la base (B). Asunto que le dio más carácter de nariz femenina  a la nariz de Mena.

Y algo muy importante. Nunca dibujes a la nariz de manera aislada. Nota cómo yo la dibujé considerando siempre el modelado de las cuencas de los ojos y el deslizamiento de las mejillas y en este progreso último lo hice en concordancia con la boca y con la oquedad que se encuentra entre ambas (boca y nariz). Esto también tiene que ver con el asunto de su forma y posición. Entre más referencias visuales asociadas contemples más sencillo te resultará resolverla. 

 Ajustando los ojos. Hasta este punto lo primero que podemos notar en los ojos es que están completamente dispares. El derecho se ve más oscuro que el izquierdo. No?,  las cejas también se ven extrañas, algo tibias, sus pestañas son de verdad tímidas. Esto es porque los olvidamos tanto que ya no encajan con los ajustes actuales, así que es hora de darles más vida.

Siendo que ya he planteado el esquema de luz y sombra en ellos, lo que prosigue es ajustar los valores tonales, resaltar su volumen, y darles más profundidad para buscar así, con ahínco, emular la belleza de los originales.

Empecemos trabajando con los iris, de tal manera que se aprecien iguales en ambos ojos. Intensifica su gradación tonal que va de arriba hacia abajo y  de oscuro a claro con toda la intención de contrastar aún más ese brillo intenso, (A) "importantísimo". Ennegrece las pupilas más que todo lo demás.  Resaltemos un poco más las pestañas e intensifiquemos las sombras de los párpados, (B), para reforzar esa idea de redondez y profundidad propia de los ojos pero también con toda la intención de embellecerlos. 

Recordemos que los ojos son, en principio, un par de sólidas y blanquecinas esferas,

sumergidas en dos profundas cuencas y recubiertas de un elástico músculo; así que imagínate dibujando dos bolas de billar con dichas particularidades alineadas a los lados de la nariz.

 

Este argumento de comparación que suena tan soez, es, creo yo; válido, pero me da pie entonces a reiterar cómo contraparte y en su justa dimensión el hecho de que al mismo tiempo, mientras los dibujas, fluyas con la intención de penetrar esa mirada, en busca de retratar en ella al alma que la produce. Relega entonces, a la técnica a un elemento de sostén material. Los ojos son misticismo puro. Lo merecen.

Y bien, una vez hube realizado este viaje descriptivo que se antoja onírico o que sé yo,  continuemos por fin con el tutorial, o más bien demos por concluido este paso, mostrándote el avance hasta el momento. Ya falta poco para terminar. 

Avance general del retrato de Mena. A punto de terminar.

El cuello. Hay dos cosas importantes en la solución del cuello. 1.- Es más oscuro que el resto de la cara por la situación en la que se encuentra; detrás y debajo. La luz llega más débil. Toma en cuenta este hecho a la hora de modelarlo y 2.- Concentra dos zonas de sombra, una densa, (A) y una intermedia, (B). En la sombra densa debemos identificar y evidenciar un punto que es más oscuro y que normalmente aparece para perfilar bien el mentón, (C); no lo olvides.

Considera también, que dentro del área de la sombra densa podemos encontrar una zona que Rembrandt llamaba zona de “luz en la sombra” y que es una claridad que se aprecia casi en la orilla, (D), ya lo checaste?

Consideraciones finales.

A partir de este punto solo queda ir completando el retrato. Se debe trabajar de un modo más detallista y delicado. Tu lápiz debe correr despacio, buscando todos esos sutiles tonos que no hubieras contemplado antes. Asegúrate de apuntar todo, pero con sensibilidad. El arte es un ejercicio dual; es el resultado de la fusión entre la destreza técnica y la intención. Si una de las dos falla, en el mejor de los casos obtendremos una artesanía, tal vez muy bonita, pero no arte.

En el siguiente mini video podrás notar con toda claridad a lo que me refiero.

Apunta:

En los ojos trabaja como si aplicaras maquillaje, con la intención de realzar su belleza.

Con tu goma moldeable “rescata” los brillos más intensos, como este.

Comprobarás que el blanco de los ojos, ( de las córneas ) no es blanco, sino gris y que estas van sombreadas en los bordes porque son esféricas. El máximo blanco, o blanco del papel solo lo podremos encontrar en los brillos de los iris.

En la nariz nota esa débil sombra, justo a la mitad que rompe la uniformidad de la recta, quebrándola. 

La punta de la nariz está dividida en dos abultamientos; hay que sugerir ese relieve.

El contorno de la cara (abajo, izquierda) tiene luz, el borde del cuello, en su parte izquierda, también.

Los aretes puedes dejarlos algo planos. No es necesario detallarlos tanto. No son relevantes.

Fusiona bien las sombras que tenemos entre el ojo izquierdo y el inicio de la nariz, y no dejes zonas de luz allí, excepto el brillo del iris.

Resalta ese potente brillo del iris ennegreciendo deliberadamente el tono adyacente del iris, (A).

Esfuma al máximo la sombra de la aleta derecha de la nariz, (A).

La sombra justo debajo del labio inferior es la más oscura de la zona de la mandíbula, (B).

...Y seguimos.

La sombra del pómulo izquierdo es la más oscura de toda la cara. Exceptuando las sombras que generan las cuencas de los ojos.

Los pliegues de los párpados superiores son muy oscuros, son líneas negras.

El párpado izquierdo superior se oscurece más que el derecho.

Y así queda finalmente mi retrato.

Espero te haya gustado él tutorial y sobretodo que te haya resultado útil. Esa será mi mayor recompensa. Si tienes dudas, o sugerencias por favor comenta y espera mis próximos tutoriales. Gracias.

*Visita mi canal de youtube en donde estoy subiendo tutoriales interesantes. Me dará mucho gusto si te suscribes y compartes mis videos.Te paso el link:

El Taller de Miguel Angel

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 1

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 2

Cómo dibujar un Retrato a lápiz ( Paso a Paso) 3

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 4

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 5

Por último, te hago una invitación para que si estás en posibilidades me ayudes a sostener mi actividad de divulgación artística, haciéndome un donativo; de verdad te estaré muy agradecido. Al hacerlo, contribuirás a que el Taller de Miguel Angel siga creciendo. Gracias de antemano.

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Como dibujar un Retrato a Lápiz Paso a Paso 5

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19. Agrisando la cara.

Cómo podrás notar, el haber intensificado el tono del cabello nos brinda un marco natural ideal para trabajar la cara. Este marco nos permitirá agrisarla sin pasarnos; cosa que podría estropear irremediablemente el retrato, a menos que queramos una Mena bronceada, y supongo que no sería lo más recomendable; así que con esta guía visual importante vamos a trabajar en la cara agrisándola en su justa medida.

El propósito será conseguir mayor realismo modelando esa redondez natural de la cabeza, generando a la vez la textura de la piel que se aprecia lisa y ligeramente brillosa. Esto lo conseguiremos modulando sus valores de luz y sombra intermedios, esos que modelan la cara y que no son las luces o  sombras principales. 

A continuación te explicaré un poco más a detalle cómo puedes hacerlo de la mejor manera.

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1.-  Sería muy útil que te hicieras para empezar de una foto complementaria de tu modelo pero en blanco y negro.

La misma foto pero en blanco y negro, nos servirá para encontrar más fácil
los tonos, ya que no nos interesa el color.

Verás cómo se revelan los tonos de un modo mucho más claro que en el original, a color. Yo hice este viraje en Photoshop, sino te es posible hacer la conversión con tus propios medios, te sugiero acudas a un lugar de copiado e impresión especializados llevando tu imagen en tu USB, y les solicites que te impriman las dos versiones. Si tienes la posibilidad imprime de una vez una copia más en alto contraste:

Esta de verdad te ayudará a ubicar aún mejor las zonas de luz y sombra principales, ya que se vuelven muy evidentes.

2)  Ahora, con ayuda de las fotos que imprimiste podrás determinar las zonas de máxima luz, sombras densas y  tonos intermedios.

Guiándote de las siguientes láminas te resultará más fácil hacerlo.

Y ahora sí, empecemos a modelar el rostro.

Trabaja con el lápiz inclinado, haciendo achurados en diagonal y de vez en cuando aplica esfumados, para alisar las texturas y Procura dejar limpias; es decir, que no tengan por el momento nada de lápiz las zonas de máxima luz.

     Como buen complemento de esta lección sería recomendable repasaras un poco la forma del cráneo ya que te diré que éste define el relieve del rostro en un 70%, o más. Conocer lo que se encuentra debajo de ese lindo cutis nos será de gran ayuda para comprender mejor el porqué de esas luces y sombras.

       Si tu interés es de verdad grande, entonces definitivamente también tendrás que darle una repasadita a los músculos de la cara, que junto con el cráneo le confieren el 95% de su forma. Si puedes dibújalos y estúdialos en hoja aparte primero. 

Tips extras:

      1).- No te piques tanto, porque corres el riesgo de caer en la desesperación, en la desgastante trampa de la inconformidad; del clásico:- ALGO NO ME ESTÁ QUEDANDO BIEN, ó … el típico-COMO QUE ALGO NO ME CONVENCE- y entonces, en lugar de avanzar con entusiasmo estarás librando una batalla desigual contra tu impotencia. Así que debes estar atento(a) ante esta posibilidad y cuando sientas que algo no anda bien en tu intención, detente!, respira profundamente, y enfoca tu atención en otra cosa, lo que sea, pero no sigas dibujando sino hasta pasado un buen rato, o incluso un día completo. Ya repuesto(a) entonces visualiza tu avance desde atrás, o sea, aléjate un poco de tu obra, algo así como un metro de alejamiento, cuida de tener  juntos tanto la foto de la modelo como tu dibujo y justo frente a ti, en posición vertical y contempla a ambos, con reflexión y… COMPARA!!!!, tantas veces sea necesario tratando de encontrar defectos y errores de ejecución. Debes ser muy observador (a) y estricto con tu progreso, y ajusta.

      

     2).-Consigue un espejo y mira tu obra a través de él; puede ser que te lleves una sorpresa ya que mágicamente podrán aparecer  errores; algunos habrán pasado inadvertidos hasta entonces. Algo así como que la boca no está en su justo lugar ó que un ojito se salió de su posición óptima, o tal vez la cara está algo chueca; en fin, el espejo te ayudará para ajustar al máximo.

      3).-Al agrisar ten especial cuidado con las líneas de expresión de las mejillas.

Estas aunque deben ser protagonistas, no deben ser muy marcadas, más bien sutiles, suaves y y esfumadas. Marcarlas mucho le aumentaría la edad abruptamente a Mena.

       

       4). Es muy importante que durante tu progreso puedas identificar bien los tonos; hasta los más sutiles o ambiguos; esos que se parecen, pero que no son iguales, así como esos otros que aparentemente no son iguales pero que en realidad si son muy parecidos. Compruébalo  en este mini-video.

      La clave para aprender a diferenciar y relacionar tonos está en el entrenamiento visual. Solo a base de ejercicios continuos de comparación, observación y ajuste se logra desarrollar ese ojo clínico para entonar, igual que un músico con oído entrenado puede afinar su piano o violín distinguiendo las notas y acordes.

     

      Con el fin de encaminarte en esta parte del proceso he indicado en la siguiente lámina dos tonos que aunque parecieran diferentes, son casi iguales. Estúdialos.

      5).- En ciertos momentos y particularmente cuando trabajes con la nariz, te voy a aconsejar que apliques el siguiente truco secreto. Olvídate por un momento de que estás trabajando una nariz e intenta ver solo esa combinación de sombras y luces,( tonos) que la describen y dibújalas, con la mayor exactitud posible. Trata de replicar hasta los más sutiles grises. Verás cómo alternando esta forma de observar distinta a la habitual, lograrás desarrollar esa habilidad para anotar tonos más rápidamente, que dicho de otra manera no es otra cosa que mejorar tu capacidad para dibujar.

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 1

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 2

Cómo dibujar un Retrato a lápiz ( Paso a Paso) 3

Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 4
Cómo dibujar un Retrato a Lápiz ( Paso a Paso) 6 Final

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